PRE-TEXTOS



Anexo 2
LA GALERÍA SISBEN





El Sisbén es el sistema de información diseñado por el Gobierno Nacional de Colombia cuyo fin es el de  identificar a las familias potenciales beneficiarias de programas sociales., como tal estratifica, estigmatiza y excluye de un mejor servicio, por eso  esta denominación se constituye dentro de la curaduría del 15º Salón Regional de Artistas como el sexto eje a partir del cual se invita a los artistas a participar sin exclusiones fomentando la idea de precariedad en un evento expositivo en donde se destacan diversas opciones incluso saliéndose del formato propuesto.
El día 5 de noviembre del presente año se dio inicio y como  preámbulo al Salón Regional de  Artistas Zona Oriente a la primera exposición con las obras participantes en la galería Sisben  en el Instituto Municipal de Cultura y Turismo de Bucaramanga con obras que buscan manejar el espíritu   de contexto y relación a partir del gesto de la participación en la dinámica de la invasión, lo cual generó  la exhibición, sin procesos curatoriales y/o selección, de aportes artísticos, de creación estética u objetos decorativos, hasta el día 15 de noviembre,  tiempo propicio para  el diálogo entre las diversas nociones de arte, paradigmas estéticos y de gusto y en donde todas las obras presentadas o enviadas vía correo electrónico fueron exhibidas.

Entre las 100 obras exhibidas y como una manera de ampliar la metáfora sinestésica   que buscaba la convocatoria abierta e inclusiva se vincularon artistas como en el caso de Carlos Rojas Verona con su obra de  instalación “Gol Paracol”,  a partir de la cual se hace parodia al comparar la manera como se narra un partido de futbol en Colombia con toda la relación siniestra entre política, narcotráfico, y el gol que nos hacen en todo momento a los colombianos, para el caso de la obra de Fernando Botero “Fusilamientos” es apropiada por  Luis Saray en un video-arte  a partir de la  idea de  acercar de manera aún más literal las cargas emocionales por el dolor y con reacciones visuales y sonoras que buscan enfatizar aún más  el impacto que deja la violencia en una población colombiana, así mismo acogió la Sisben  la muestra internacional de video- arte llamada NIO  que organizan los  estudiantes de la facultad de artes plásticas de la Universidad Tecnológica de Pereira y que hacen parte del semillero de investigación en arte que coordina el maestro Oscar Salamanca uno de los curadores del Zonar 15;   así mismo estuvo presente la maestra Milena Henao dentro del proyecto Disangelio 10  en donde plantea la herrumbre por un  lado y la ciudad impotente como una especie de dicotomía entre lo que es o será y lo que fue; vestigios de civilización en una ciudad –metrópoli ; Carlos Gámez presenta a un Jaime Cerón inflado quien pese a su transformación mantiene  su espíritu crítico.  En  la obra escultórica del artista Cesar Chaparro  “Salario Mínimo” una elipse tridimensional que se va reduciendo como lo hace un salario que no alcanza para suplir las necesidades básicas en Colombia y en  “Ajusticiado y Reparado” Fredy Higuera toma como medio la camiseta que por un lado muestra los impactos de las balas mientras en el lado contrario se muestran las costuras de una herida que se busca sanar,  logra escenificar en su fotografía  Nelsón Alarcón Barrera el gran dilema en un pasillo en donde la mujer  que le da la espalda al espectador genera en su recorrido abyecto abatimiento, desconsuelo en su camino al encierro.
Como conclusión  hay que decir que pese a que las condiciones de la convocatoria establecían  toda la libertad  posible nadie al final planteo obras que involucraran el escándalo por ejemplo como la apropiación más cercana a esa intención, por otro lado  se pudieron revisar los criterios y exigencia de montaje serán tenidos en cuenta en el 15º salón regional de artistas y es importante resaltar que esta fue  la primera exposición que se realizó por  un grupo curatorial de los salones regionales de este año.

Por Henry Buitrago Alba
Curador

FRONTERAS
LA DEBILIDAD DE LAS FORTALEZAS


Nuestras fronteras o las fronteras de nadie, éstas barreras invisibles que desde el sueño de Bolívar no deberían de existir, hacen del fluir cotidiano un obstáculo a la posibilidad de otros bordes, a otras deslocalizaciones. El primer ciudadano insistió desde una actitud libertaria en una sola y gran nación; hoy y desde que existe la frontera nunca ha dado lugar a una total apertura, ha sido por múltiples razones de puertas a medio abrir.


¿Qué relacionales bilaterales existen con Venezuela desde lo cultural, deportivo, formativo y social? La respuesta podría ser desoladora, lo que sostiene esta frontera es lo comercial, una especie de dependencia económica compartida y no más.
Más cuando en los momentos álgidos del poder bolivariano en cabeza de Hugo Chávez y sus pretensiones ideológicas, desató pugnas y odios que hicieron eco en los soliloquios y desquicios del entonces presidente Uribe y que hoy se mantienen pese a los cambios de protagonistas en el limbo de la confrontación.
Las prácticas artísticas en zonas de frontera, rebasan por su movilidad los límites que imponen los órdenes geopolíticos; en la cotidianidad son territorios de vecindad, de permeabilidad de trans-acciones humanas, sociales y económicas que hacen de estas zonas una especie de límite perforado, donde se imponen sobre todo las micro políticas en situación, alentadas por los pobladores, mas no por los estados. 
Somos en Suramérica una de las fronteras de mayor fortaleza (debilidad), de movilidad y permeabilidad; la mitad de los habitantes de Estado Táchira son colombianos o de ascendencia colombiana. En ese sentido nuestra región es un territorio ampliado, que nos hace particulares (fuerte), incluso desde lo marginal (contrabando) que generan una serie de elementos transnacionales por fuera de los estados.
De estos movimientos transnacionales, surgen situaciones de estar al margen, de habitar en el límite, entre lo débil y lo fuerte; que hacen que  el campo artístico se llene de procesos de prestigio (comodidad) y desprestigio (invisibilidad).
Estar en situación, intenta detonar situaciones de riesgo en un territorio de desamparo donde ocurra una suerte de desafío frente al medio artístico, político y frente al espectador; este riesgo sugiere que la obra tenga un elemento corrosivo, una arqueología a manera de una anastilosis que construye o de construye la tradición, al ablandar las fronteras mediante constructos relacionales y remiendos contextuales contemporáneos.

La frontera es por naturaleza un territorio de simultáneas filtraciones, cualquier tipo de interpretación de la frontera puede generar equívocos, elementos fuera de lugar. En los rincones de la frontera, no solo quedan los silencios o residuos binacionales; sino un territorio de cenizas donde potenciar la reconstrucción de la frontera (débil) que ahora se presenta débil (fuerte) pero que sirve de pretexto para correr el riesgo político de debilitar al máximo las fronteras (políticas culturales) con la clara intención de generar alianzas y fortalecer el intercambio cultural.


Escándalo es una reacción frente al agravio de los estados que nos mantiene en situaciones de marginalidad e invisibilidad. Es un perderlo todo, para ganarlo todo; un querer huir pero al mismo tiempo permanecer en la transacción o instancia de concertación como activador de plataformas de mediación cultural socio política.

Se trata de descolocar, desestabilizar las políticas culturales (fuerte) con una suerte de perforación permanente que pese a su importancia es débil, politizada, acartonada, populosa, protocolaria, incluso inocua; una intervención que modifique las estructuras políticas del arte regional fronterizo y se distancien del poder político (inocuo) que pese a su fortaleza es displicente y excluyente con los procesos artísticos que ponen en riesgo los procesos de alianzas, sostenibilidad y apropiación regional.

por: Walter Gómez Céspedes
artista y gestor cultural 


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El Triunfo del Arte sobre El Arte

“Hubo un momento en la historia en que había bastante gente ociosa para ocuparse muy especialmente de lo que no anda, y dar una fórmula de «lo que no anda» en estado naciente”. 
Texto extraído de "Actas de la Escuela Freudiana de París",
varios autores, editorial Petrel, Barcelona, España, 1980.
Edición original: Boletín interno de La EFP, VII Congreso,
                                                                                                                                                                                                                          Roma 1974: París, 1975
Así cómo alguien piensa en francés o en cualquier otro idioma, el artista debe pensar en “arte”, es decir que toda su esperanza como individuo este afianzada en el devenir por el arte; deconstruyendo permanentemente el mundo real que le rodea e incorporándose en múltiples posibilidades perceptivas dentro del mundo creado por él mismo.
Entre la realidad y la ilusión no hay nada dicho, y mucho menos escrito, como cuando el filosofo griego Sócrates se encontró con Jenofonte en una calle de Atenas y le preguntó "¿Sabes dónde venden pescado?" a lo que Jenofonte respondió "Sí, en el mercado" pero Sócrates volvió a preguntar "¿Y sabes donde se hacen virtuosos los hombres?"  a lo que Jenofonte respondió que  no lo sabía y entonces Sócrates añadió "Entonces sígueme".
Algún ser humano se encarga de proferir unas normas que establecen miradas, formaliza el discurso sobre el arte, lo “establece”   como cuando el 19 de julio de 1937 en la exposición de arte, titulada 2000 años de cultura alemana Hitler refiere que el nacionalsocialismo alemán, desea reestablecer un “arte alemán”, y este arte será eterno justo como cualquier otro mérito creativo del pueblo; pues el artista no erige un monumento al tiempo, sino a su pueblo, pues el tiempo es algo cambiante: los años van y vienen.


El artista como espectador (siendo joven, antes de la Primera Guerra Mundial, Adolfo Hitler llegó a considerar  a la pintura como posible carrera y sustento).

“ El hecho es que el arte no es una moda. El cubismo, el dadaísmo, el futurismo, el impresionismo, etcétera, nada tienen que ver con nuestro pueblo alemán; todos estos términos no son ni antiguos ni modernos: son meramente el balbuceo afectado de una gente a la que Dios ha retirado su gracia y en su lugar ha otorgado una habilidad para decir tonterías y engañar”.


Algunas pinturas del Fuhrer que fueron adquiridas por coleccionistas privados, así como varias obras, han sido subastadas por miles de dólares; justo, en 2012, una de éstas llegó a los 42 mil 300 dólares en una subasta realizada en Eslovaquia.

Hitler afirma que le choca necesitar un traductor para entender una obra de arte, un prólogo, un comentario explicativo. Detenerse a pensar delante de una obra que nos ha intrigado lleva a la inevitable consecuencia de la disensión; la imposibilidad de llegar a conclusiones idénticas entre un sujeto y otro es una circunstancia que no cabe dentro de un sistema que busca exactamente lo contrario: que todos piensen igual, es decir, que nadie piense. También podemos creer en la sinceridad de su discurso al decir que no creía en un arte que reflejase el tiempo, desde que el poder absoluto sólo se concibe en la eternidad.

Han pasado apenas cien años, pero por el momento podemos afirmar que el arte contemporáneo ha triunfado y ubicar este triunfo el 15 de septiembre de 2008, día en que Lehman Brothers Holdings anunciaba su bancarrota para que luego sus cuarteles generales en Londres fueran adquiridos por J.P. Morgany la casa Sotheby’s registraba una ganancia de 127.2 millones de dólares subastando un lote de Damien Hirst. Los títulos de los diarios decían al unísono: los bancos caen, el arte triunfa. Por supuesto, el sistema financiero no se desplomó definitivamente. Los mismos grupos de poder que se han venido gestando desde principios del siglo XX y que se consolidaron a mediados del mismo siglo se mantienen relaciones que los grupos financieros de la nueva clase burguesa han mantenido con las artes desde que J.P. Morgan comprara en París la Colonna Madonna de Rafael por 400 mil dólares en 1901.

Certificado de existencia de una obra artística que va a ser subastada

Por qué si el arte ha triunfado y podemos tomar el éxito monetario de Hirst como un signo de que así es en su lucha por ser libre de toda atadura histórica, política, filosófica y moral:  

-       ¿Por qué, como resultado, los artistas han homogeneizado su producción?  quienes por definición deberían ser singulares,

-       ¿Cómo es que todos hacen lo mismo en todas partes del mundo?

-       ¿Por qué si no hay ningún poder que les conmine a actuar de cierta forma todos procuran un mismo tono, un mismo sentido del humor?  escandinavos o latinoamericanos, el resultado sigue siendo el de un mensaje algo trivial trabajosamente encriptado.

Lo que ha significado  el éxito de Damien Hirst, tal cantidad de dinero por un arte superfluo. Su colega en The Guardian,Germaine Greer, le respondió con el juicio de los que suelen defender el arte contemporáneo: sencillamente lo llamó “anticuado”. Pero creo que Greer en su artículo, y aun en su limitada comprensión de las cosas, fue mucho más acertado que Hughes:“El innegable genio de Hirst consiste no en hacer grandes obras de arte, sino en conseguir que la gente las compre. Damien Hirst es una marca, porque el arte del siglo XXI es el marketing”.






De el artista británico Damien Hirst su obra mas controversial, un cráneo de diamantes llamada «For the Love of God».

La inmensa mayoría de los artistas que no comparten el éxito ni el cinismo de Koons, los Chapman Brothers o Hirst, dirían, con diversos grados de indignación relativos a la juventud, que su arte es mucho más que marketing. Es definitivo que la línea histórica que une las producciones más recientes del arte contemporáneo con las vanguardias puede leerse claramente sobre el abandono de las técnicas de representación, el camino hacia “el concepto”, pero la angustia intrínseca, la preocupación existencial que nos encuentra en las obras europeas producidas de 1900 a 1950 han desaparecido por completo. Como Baudrillard ha señalado, el sistema de mercado del arte contemporáneo es perfectamente afín a la lógica de la rapiña capitalista, no se distingue en nada de la lógica financiera de la especulación; se juega en cotizaciones, burbujas e inflación y demanda; un sistema que permea el mercado desde mucho antes de que el arte llegue a las salas de exhibición y que empieza desde la elección de los temas, los colores y los materiales. Quizás desde las últimas obras de Warhol. 

El mercado comienza ahí donde se suponía que el artista gozaba de una libertad irreductible: en su proceso creativo. La vida interior del artista no se distingue ya en nada de la vida pública de las ferias y las subastas. El triunfo del arte consiste en haber sido anexado, absorbido dentro de un sistema global que dicta la moral de lo que se consume en materia alimenticia, lo que se piensa en materia política, lo que se juzga en el campo psiquiátrico y lo que se practica en las disciplinas sexuales, como en una especie de totalitarismo infinitamente discreto.

Tal vez tenga razón Eric Hobsbawm aunque no en el sentido en el que él lo expone al decir que las vanguardias fracasaron. Esto explicaría el cinismo de los artistas contemporáneos, siempre acompañado de la fantasía de “burlar el sistema”; no les queda otro camino para medianamente salvar la vergüenza al llamarse artistas ante la tremenda carga semántica que otros antes que ellos le otorgaron al vocablo, y si es cierto, como afirmó Levi-Strauss, que son los cambios socioeconómicos lo que producen los cambios ideológicos y no a la inversa, a este nuevo arte le queda aún una vida muy prolongada bajo la exacta fórmula de Chesterton: “Todo prolonga su existencia negando que existe”. 

Notas
-       The Essential Hitler: Speeches and commentary, Bolchazy-Carducci Publishers, 2007.
-       La CIA usó arte estadounidense moderno incluyendo obras de artistas como Jackson Pollock, Robert Motherwell, Willem de Kooning y Mark Rothko como un arma durante la Guerra Fría a la manera de un príncipe renacentista, excepto que ésta actuaba en secreto. La CIA promovió la pintura abstracta expresionista alrededor del mundo durante más de veinte años”, The Independent, 22 de octubre de 1995.

Compilador:
Henry Buitrago Alba
Artista y docente en artes plásticas


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